中原ちひろ 個展
「118夜の合掌団 」

《118夜の合掌団》
mixed media 2025

2025.12.13 (土) ～ 2026.1.31(土)
12:00 - 18:00 * 日月祝休廊
*2025.12.28～2026.1.5は冬季休廊
レセプションパーティー：12.13(土)15:00-18:00
＊16:00-作家による朗読会

画家・中原ちひろについては、これまで、古今東西の美術や、漫画、アニメとの関連が指摘されてきた。たしかに、彼女の作品の具象性や、各キャラクターの愛らしさと親しみやすさ、美術史および現代視覚文化への造詣の深さを考えると、そのような観点でその絵画世界を解釈しようとする誘惑に駆られるのも、もっともなことと思われる。しかし、このように解釈することは、彼女の芸術世界に入り込む「入口」となってその世界を広げたとしても、決して「出口」になることはないだろう。その世界を見つめれば見つめるほどに、解釈に費やしてきた言葉が意味をなさなくなるような感覚も抱くのである。

中原の描く世界の奥には、創造主である中原自身の意図や制御すらも及ばない「なにか」がある。夢や現実を超えたこの場所は一体どのようなところで、われわれはそこで「なに」と出会うのだろうか。この世界の深奥に触れるためのひとつの鍵は、言葉による参照関係や解釈から一度離れ、そこに生きるものたちの声に、ただ静かに耳を傾けることかもしれない。

山田隆行 (東京国立近代美術館 特定研究員）

BUG茶飯事
京都精華大学イラスト学科
３年生ビジュアルアートプロジェクト

2026.1.27(火) ～ 2.1(日)

日常で起きるBUGという存在がどんな世界観、空間、形、作品になるだろう・・・
大きいBUGから小さいBUG、はたまたカラフルで楽しいBUG、可愛らしいBUG、
24名が創造した素敵なBUG茶飯事という世界を気軽に覗いてみてください。

関西新象 〈表現者達〉
〜アート・実験・未来〜

2026.2.3(火) ～ 2.8(日)

毎日戦中写真を読む
- 特派員の足跡とミヤニ式カメラ
毎日新聞社

2026.2.10(火) ～ 2.22(日)

毎日新聞大阪本社には日中・太平洋戦争中に特派員が撮影した約6万枚の「戦中写真」が保管されています。終戦時に軍が出した焼却命令に反して残された写真には、戦闘だけでなく兵士の日常や従軍動物、占領地の人々の暮らしなど、戦争の多様な側面が記録されています。この貴重な写真を後生に伝えるべく、大阪毎日新聞社京都支局として98年前に建設された「1928ビル」内「同時代ギャラリー」で写真展を開催します。記者たちの息遣いの残る空間で特派員の足跡を辿るとともに、京都で開発された「ミヤニ式反射望遠カメラ」にまつわる写真も展示します。会期後半には2022年から共同研究を進めてきた東京大学大学院・渡邊英徳教授がカラー化した「戦争と動物」「戦争と女性・子ども」シリーズもご覧いただきます。

＜ギャラリートーク＞

2.10（火）17:00-
2.18（水）17:00-

眼差しと指差し
山西 杏奈 個展

Breeze 2025 | トチ・釘
©Anna Yamanishi
Photo by Takeru Koroda

2026.2.1（日）〜 2.28（土）
開廊日時：上記会期中の金・土・日 12:00-18:00
月〜木曜日はアポイントメントを承ります。

何かを見て「指を差す」という行為は、幼児が言葉を話し始める前に最初に行うコミュニケーション行動だと言います。触る/掴む/舐めると言った身体的なアクションではなく、言葉を使った客観的な表現でもない、その中間にある「指差し」が持つ自分と世界との独特な距離感にとても惹かれるものを感じます。作品を作るとき、自分が対象の何を捉えたいのか、どのような形式を使って世界を見ているのか、それらをよくよく観察することで、タマネギの皮を剥くように違った世界が現れてくる楽しみがあります。もしかするとそれは幼児の「指差し」期に見た世界の透明な輪郭を、再び外側から再発見している喜びなのかもしれません。

私は大学時代は工芸科で漆工を学びました。漆は液体なのでそれを塗るための形が必要ということで、私は好きだった木を選び制作を始めることにしました。しかしその後、どうしても作った形の上に漆を塗ることはできませんでした。後から考えれば、形/表面という表裏一体の存在のどちらかに重きを置いて扱うことが自分にとって難しかったのだと理解しました。このような学生時代の経験がもとになり、形/表面の関係に関心を持ち今日まで作品を展開しています。世界の全ては表面しか見ることができないということ、そこに常に付随する存在/不在の問題について制作を通して考えています。

山西 杏奈

eN artsは2026年2月1日（日）より2月28日（土）まで、山西杏奈個展 「眼差しと指差し」を開催いたします。本展で山西は、作品を単なる立体物としてではなく、知覚のあり方そのものを問い返す場となるべく新作を発表します。

何を焦点として捉え、どのような形式によって世界を切り取ってゆくかを丹念に検討する過程は、完成形を目指す造形行為というよりも、認識の条件をひとつずつずらせていく試みに近く、結果として現れる作品は、明確な意味や象徴を誇示せず、見る者の理解が立ち上がる以前の段階にとどまり続けます。

漆芸科という工芸の分野における学びを背景に、山西は立体の構造と外観とを切り分けて扱うことの困難さに直面してきました。「形／表面を同等に扱いたい」という彼女の態度は、彫刻を自律した量塊として成立させる従来の方法論から距離を取り、造形を知覚の現象として捉え直す実践なのかもしれません。

山西杏奈の作品は、木彫=確かな実体であると同時に、余白を含み込んだ不安定な状態をも保持しています。私たちが世界を理解する際に、常に外側の様相に依拠する鑑賞者自身の前提や認識を疑問視し、浮かび上がらせる媒介として機能しているようにも見えます。

本展では、見ることの起点を問いながら、私たちが無意識のうちに信じてきた対象との距離感や知覚の透明性を揺るがす「『眼差しと指差し』という身振りの反復」を経験していただきたいと願っております。

eN arts

捜神譚　その弐
神楽の章
KOSUGI＋ANDO
小杉美穂子・安藤泰彦

2026.1.16（金）〜 1.31（土）

この作品は、2024年制作「捜神譚その壱・神岡の章」に引き続き、日本の地層に眠る神（カミ）を探る試みです。現代から近世、中世さらには「神」と名が付けられる以前から、人智を超えた力を怖れあるいは祝福する人々の手によって無数の神々が生みだされてきました。時代を超えてさまざまな神々の層が折り重なり、おもてに表れた神の背後には、隠され消された神々がいます。作品の中心となるのは、時代を超えたある架空の祭祀場、神を招き喜ばせる「神楽（かみあそび）」の場です。「かみあそび」を 擬（もど）きたいと思います。

とあるビルの一室で、機械仕掛けのものたちが踊っている。彼らは真似る、人を神をあめつちを。山奥の小さな村で、祠の蔭で、後ろ戸の奥で、はるか古の時代からそれは繰り返されてきた。彼らは擬き続ける、笑いながら、戯れながら。

現代美術二等兵
祝 活動33周年「昭和100年、柿8年」

「のしイカピンバッジ」

「カプセルタワーリング」

2025.12.20（土）〜 12.27（土）
休廊日：22（月）・23（火）

2026.１.7（水）〜12（月・祝）
会期中無休 開廊時間＝各日13〜19時

昭和がもし続いていたら今年は昭和100年。
昭和生まれで、多感な時期を昭和で過ごした現代美術二等兵も今年は活動33周年。
記念になりそうな今年は、影響を受けまくった昭和の記憶を下敷きに昭和脳をフル回転させつつ、どこか懐かしい駄美術をしみじみ紡ぎます。
同世代の方も、平成生まれの方も、なんなら令和生まれの坊ちゃん嬢ちゃんも、世代を超えて愛されたい駄美術の展覧会。
ぜひお運びください。（現代美術二等兵）

SPECIAL EXHIBITIONS
金氏徹平とthe constructions
「tower（UNIVERSITY）」

撮影：吉本和樹

2025.12.13（土）〜 2026.2.15（日）
休館日:12.15（月）、12.22（月）、12.27（土）－1.5（月）、1.13（火）、1.19（月）、1.23（金）－26（月）、2.2（月）

主催:京都市立芸術大学
助成:令和7年度 大学における芸術家等育成事業
協力:「TOPOS：まなびあう庭としての芸術大学」
　　　プログラムC「創造と場の「演出」」参加者
　　　dot architects
　　　アートフロントギャラリー
　　　Yumiko Chiba Associates
コーディネート:
「TOPOS：まなびあう庭としての芸術大学」プロジェクト
京都市立芸術大学ギャラリー@KCUA
企画:藤田瑞穂（京都市立芸術大学ギャラリー@KCUA チーフキュレーター／プログラムディレクター）

大小さまざまな孔の空いた抽象的な建築物と、そこに出入りするいろいろなものたちの活動を同時並行的に描き出す「tower」は、金氏徹平が20年以上にわたって取り組んできた重要な作品シリーズのひとつです。本学在学中に制作したドローイングに始まり、コラージュ、映像作品、舞台作品、と多様な形態で展開され、金氏の領域横断的な活動を象徴するものとなっています。本企画では芸術大学を舞台に、この「tower」のテーマのもと、創造活動と教育、学び、表現による世界とのつながり方、そして展覧会という場自体について、展覧会をつくるプロセスそのものを作品化することを通して思考します。

会期中に会場内でパフォーマンスなどのさまざまな活動が行われます。
詳細はHPにて順次公開いたします。
【パフォーマンス】
①2026.1.11（日）13:00–17:00
②2026.1.12（日）15:00–17:00
③2026.2.8（日）18:00–20:00（事前申込優先・定員あり）
④2026.2.15（日）13:00–18:00
（2025年12月8日更新）

UNDULATIONISM Ⅻ
黒田アキ　小栁仁志　世良剛　浜崎亮太

2025.11.8（土）〜 11.30（日）
開廊時間：12:00 〜 18:00
休廊日：月・火・祝日 休廊

「UNDULATIONISM」は造語です。「UNDULATION」とは真っ平らでflatなものではなく「波のような動き」や「揺らぎ」を意味します。この単語は「undulate」という動詞からの派生語で、自然現象や音楽、心理的な状態や感情の起伏を表す場合にも使用されます。風などの要因により生み出される「UNDULATION」ですが、「NOISE」から生まれてきたものだと我々は捉えます。

「NOISE」という言葉は黒田アキの友人であるフランスの哲学者ミッシェル・セール（Michel Serres,1930-）の「NOISE」論に依拠します。中沢新一氏によると「NOISE、それは古いフランス語で「諍（いさか）い」をあらわしている。バルザックはこの古仏語の語感を利用して、「美しき諍い女 la belle noiseuse」という存在を創造した。しかし、ノアーズのさらに古い語感を探っていくと、異質領域から押し寄せてくる聴取不能な存在のざわめきのことを、言い当てようとしているのがわかる。不安な波音を発する海のしぶきとともに出現するヴィーナスの像などが、そのようなノワーズの典型だ。ヴィーナスは海の泡から生まれたとも言われるが、またいっぽうではその泡は男女の交合の場所にわきたつ泡だとも言われる。いずれにしても、それは世界の舞台裏からわきあがってくる不気味なざわめきにつながっている」（中沢新一『精霊の王』－第五章 緑したたる金春禅竹－ より）、とあります。

黒田アキが名付けた『Noise（ノワーズ）』という美術雑誌（1985年5月発行の創刊号から1994年の18／19合併号まで全17冊発行）は、1985年に黒田が『デリエール・ル・ミロワール』誌を引き継ぐ形で創刊し、新しい美術誌のタイトルとして使われました。所謂、英語的なノイズと言われるものと「NOISE」は全く意味が違い、黒田アキはNOISEという言葉に意味を見出してきました。海から生まれるNOISEは黒田の青の意味の源泉でもあります。マチスやクラインとも違う、黒田の青はNOISEに起因し、青の根源を黒田は「風」のようなストロークによって波立たせ、絵画面上に「UNDULATION」を起こし、そこで縺れた線は様々なイメージを生み出します。

世良剛、小栁仁志、浜崎亮太の三作家も、こうした「UNDULATION」をそれぞれの思考、技法によって生み出します。

小栁仁志は、静かですが非常に微妙なストロークによって画面上の海を波立たせ、そしてまた空を棚引かせます。何重にも絵具を塗り重ね、一見すると淡くも深淵なる画面を描いていきます。彼の作品は決してミニマルなものではなく、その画面には小さくも持続性のある確実な揺れが存在しています。

世良剛は、とても優しいストロークにより、極めて透明感のある画面を作り出します。淡くもその浮遊感のあるイメージは常に漂いつつ、鑑賞者の記憶に着実に残っていきます。

浜崎亮太は、映像作家としてデビューし、近年はオブジェ作品を多数発表しています。マルグリット・デュラスに影響を受け、独自のコンセプトで作品をつくってきました。幼年期や日常の体験から科学論に至るまで広い範囲から着想を得て、オブジェの箱の中や平面に意味のレイヤーを作りこんでいきます。既製品を使いながらもアッサンブラージュの手法を用いることで、作品に隠された意味を幾重にも拡張し、映像の持つ時間のような波をつくりだします。

今回は四人の作家がそれぞれ独自の手法によって、「UNDULATION」という意味を提示してくれることでしょう。

〈1F〉
KIMIETO 日本画展
The joint exhibition of traditional
Japanese-style painting

2026.1.27(火) ～ 2.1 (日)

この度、ギャラリーヒルゲートにて創画会会友による作品展を開催いたします。
私たちは、出身大学や年齢、描写も様々ですが、創画展に出品する中で知り合い、グループ展をすることになりました。
グループ名“KIMIETO”は、“言葉で説明しにくいオモイ（思い、想い）を絵に込めよう、絵の伝える力を信じて。そしてあなたにこのオモイが届きますように”という願いを込めたものです。
作品を通してそれぞれの表現方法で制作した作品のオモイが伝われば幸いです。
ぜひご高覧賜りますようお願い申し上げます。

〈出品作家〉
石澤素子　　閑林宏祐　　髙野郁子
増田貴司　　守家美保子

〈2F〉
江川 恵 展

2026.1.27(火) ～ 2.1 (日)

〈奥庭空間〉
楠井沙耶 個展
かかる木

2026.1.12(月・祝) ～ 6.14 (日)

木は根から離れたとたん、横倒しになります。これから加工されるのか、薪にされ灰になるのか、他の生き物たちに分解されるのか…植物は生と死のさかいに曖昧さをもつ生き物です。木が折れた後、あるいは切られた後、人はいつまでそれを生き物だと認識し続けることができるのでしょうか。そんな問いかけが私の中を巡っています。

半年間の展覧会期間中、根から離れて死んだように思える木を生物遺体と捉えてみます。そしてギャラリーの生きた庭木に立てかけて「かかる木」と呼んでみます。

この試みが人と他の生き物の関係について、あるいは人自身の生死の捉え方について、ささやかな発見の場になることを願っています。

楠井 沙耶

ニューミューテーション#6
井上裕加里 ソー・ソウエン 高田マル
「ふるえのゆくえ」

井上裕加里

ソー・ソウエン

高田マル

2026.1.17（金）〜 3.15（日）

関西ゆかりの若手作家を紹介する
「ニューミューテーション」第6弾！

京都芸術センターでは、関西ゆかりの若手作家を支援する枠組みである「ニューミューテーション」第6弾として、井上裕加里、ソー・ソウエン、高田マルによる展覧会を開催します。
今年、開設25周年を迎える京都芸術センターは、制作と発表支援の場として、アーティストと協働してきました。本展では、出品作家3名による京都芸術センターでのクリエーションを経た新作を発表します。

井上裕加里は、戦後の東アジアを中心とした国家間における複合的な状況にある人々の声を聞き、私たちや国家のあいだにある境界の力学を探ってきました。語られることがなかったかもしれない言葉に耳をかたむけることで、大きな歴史・文化観では消えてしまう声に焦点をあて、そこから生まれる問いを出発点に、社会構造や身体に敷かれたルールを紐解いていきます。本展では、兵役の経験を持つ知人たちへのインタビューや心理学的な質問、基礎教練の習得を通して、アイデンティティや国家と個人の関係、理解し合えなさに着目した映像作品を発表します。また制作での経験を起点に、抵抗の在り方を探るワークショップを展示期間中に実施し、記録映像を発表します。

ソー・ソウエンは、生の根源的な事象を主軸に絵画やインスタレーション、パフォーマンスなどを発表してきました。個としての生の循環を出発点に、身体を通して他者との生きた関係性を紡ぐことで、アイデンティティの在り方を探求しています。本展では、15名の参加者とともに「こんな世界であってほしい」という声をいくつかのルールのもとその場から絶やさない制作ワークショップを実施しました。普段わたしたちが用いる「声」の全体性や連帯、抵抗、逸脱などの性質に着目し、ハーモニーや群集心理について迫るサウンド・インスタレーションを発表します。

高田マルは、現代において絵を描き、みせて、みるという行為を自身の実践をとおして検討してきました。本展では、京都芸術センターグラウンドを囲む元小学校の校舎外壁に約2か月の制作期間をかけて制作し、これまでで最大規模の壁絵シリーズを発表します。本シリーズは、日記帳に描いた絵を外壁に拡大して投影し、重なり合う線をなぞって描き、そして最後には消えていく作品です。描くという個人的な営みが、公の場で人々の目にふれるとき、絵とその環境はどのように変容していくのでしょうか。展覧会の最終日には、参加者とともに線を消す壁絵クロージングを行います。

この展覧会では、わたしが震わせた／震わせられた経験と、そのふるえがどこに向かっていくのかについての作品と実践をみることができます。ふるえは、緊張や高揚、感動、恐れなど言葉以前の感覚が、意志よりも先に身体に立ち現れ消えていく現象です。微弱な振動からはじまるこの運動は、個人的なものでありながら、同時に他者とのあいだに生じ、わたしと他者、世界が断絶しているのではなく、連続した関係にあることを示唆しています。排外的な状況が世界各地でつづくいま、しばしば取るに足らないとされる「わたし」のささやかな欲望や願いから発せられる小さなふるえに目を向け、その行く先をみつめることで、「わたしたち」とは何か、鑑賞者のみなさんとともに考える契機となれば幸いです。

森 太三
「ここに仮に置いてみる」act 2
〔feat.麥生田兵吾〕

撮影：麥生田兵吾

2025.11.20（木）〜 2026.2.27（金）

2025年に開設25周年を迎えた京都芸術センターの館内各所に、森太三のカラフルに着彩された木端による椅子やベンチを約1年の期間、仮に置いてみます。森は粘土を丸めたり、紙を切ったり、木材を小さく切ったりしたものを寄せ集めることで、大きな作品を制作してきたアーティストで、2001年に京都芸術センターが開催した初めての公募展「Amorphous “I”アモルファスアイ／不定形の〈私〉」(2001年2月4日－27日)の出品作家です。 25年の時を経て京都芸術センターに帰ってきた森の作品から、どのような風景が見えてくるでしょうか。 京都芸術センターに来られた際には、ぜひ腰掛けてみてください。

2025年11月20日からは第2幕として、写真家・麥生田兵吾が捉えた「ここに仮に置いてみる」の記録写真を合わせて展示します。館内各所に佇み、人の訪いを静かに待つ椅子たちが、人が現れることで動き出す…。「ここに仮に置いてみる」の新たな一面をご覧ください。

Permanent exhibition

誠に勝手ながら現在はアポイントオンリーの営業とさせていただいております。

作家：
近藤大祐、篠原猛史、こうす系、石原 孟、杉谷一考、
藤田 薫、町田藻映子、山本真也、宮岡貴泉、吉田延泰、
家山美祈

橋本梨生 個展
1/X

卓上にのらない腐ったものについて
2025

2026.1.27（火）〜 2.1（日）

KUNST ARZT では、橋本梨生の初個展を開催します。
橋本梨生は、漆を用い、醜さと美の境界を 模索するアーティストです。
「たとえ交わらなくても、（2025）」では、 「傷と回復」をテーマに、反発する素材や、 制作過程で自身に漆がかかりかぶれるまでの様を 写真、映像、パネルを用いて表現しました。
「卓上にのらない腐ったものについて（2025）」では、 金継ぎにより一つの塊が生み出されるまでの 過程で生じるモノや記録映像を再構成しました。
工芸の「漆」というジャンルのアーティストではありますが、 コンセプチュアルな視点からの活動を展開しています。

（KUNST ARZT 岡本光博）

【アーティスト・ステートメント】

私は、日本の漆工芸の中で培われた 美の基準を「秩序」、そこから外れた要素を 「秩序から反するもの＝排除するべきもの」 と仮定する。
それらを1つの作品に共存させることによって、 漆工芸を人間の共感や拒絶の境界を 探る手段として応用する。
プロダクトとしての漆工芸品の制作過程では、 支持体の形を損ねることなく、漆を均一に塗る 「塗り」と均一に研磨する「研ぎ」の工程を 反復することが求められる。
凹凸が排除されたフラットな塗面を作ることは、 伝統的な日本の漆工芸の質を決める指標である。
私はこのような価値観を「伝統＝秩序」と捉えている。
メアリ・ダグラス(1921-2007)は 『汚穢と禁忌』にて、穢れとは秩序創出の 副産物であると同時に、既存の秩序を脅かす 崩壊の象徴であると位置づけている。
ここでいう「秩序」とは、生きていく過程で得られた 文化的・慣習的経験から形成される、 許容範囲や規律のことである。
つまり、穢れとは純粋な汚さではなく、 私たちが許容できないもの、 排除されるべきものを差す。
排除されるべき「場違いなもの」は 相対的な価値観によってのみ存在する、 非常に脆い概念である。
一方でダグラスは、儀礼や宗教的慣習において、 穢れがしばしばの始まりや再生の象徴とされ ることを指摘している。つまり「場違いなもの」は、 秩序崩壊の印とされると同時に「新たな秩序の予兆」 として捉えられる側面を持つ。
これはヴィクター・ターナー（1920-1983）の『儀礼過程』に おける「移行期（リミナル）」と類似している。
両者は、既存の秩序が一時的に曖昧になる時、 その自由な状態（境界的存在）が 新たな社会的価値を創造することに言及している。
私の作品では、一般的に対称とされる美醜の感覚が共存し、 分類できない曖昧な状態をあえて作っている。
これは、鑑賞者が主体的に美とは何かを 吟味するための「場（コーラ）」の展開を試みるものである。
この実践の継続が、日常に潜む常態化した文化的、 社会的価値の再認識と、漆工芸の新たな段階へ 進むためのプロセスになると考えている。

〈1F〉
石川愛子 個展
FOREST WALK

2026.1.27（火）～ 2.1（日）

心地の良い場所、そこで遊ぶ人や動物を描いています。
作品に登場するモチーフは、私自身が実際に見たり経験した出来事の集合です。
それらを、物語を感じさせる構図の中に登場させることで、個人的な体験がより普遍的なイメージへと変化していく瞬間を探っています。
また、感情の揺らぎを含んだ線を重ねる過程で、少しずつ作品が描き手の私的な領域から離れ、ひとつの物語へと独立していく様子を追っています。
今回の展覧会 ”FOREST WALK” では、文字通り森を歩く中で移り変わる風景への新鮮な驚き、一緒に歩く人の視点、山道からほど近い場所に潜む野生の気配などをキーワードにしています。
ぜひご高覧ください。(石川)

〈2F〉
坂口茉央　個展
光と陰

2026.1.27（火）～ 2.1（日）

昔から、見るだけで心が躍るような華やかなものが好きでした。
それらは、私が美しさに惹かれて深く触れ合っていく中で、華やかさの裏にある陰の姿を見せてくれることがあります。
完璧だと感じていたものの脆さを見た時、表の華やかさも、その陰に潜む姿も、等しくより魅力的なものとして立ち上がってくるように感じます。
この個展では相反する二つの顔を表現していきます。(坂口)

中島一平 個展
進行形の絵画

2026.1.31(土) 〜 2.22（日）
13時―19時（最終日は17時迄）
休廊：月・火・水​

2kwgalleryでは、画家・中島一平による個展を開催致します。
大胆なストロークの重なりが織り成す絵画世界をお時間の許す限りぜひご高覧いただけましたら幸いです。

「進行形の絵画」によせて

「絵画にとって絵具が混ざるということはとても重要なことだと思う。筆触ごとに未乾燥な絵具が混色されながら制作が進行する。絵具の物質性の中に描くプロセスと時間性が定着されてい行く。これは我々が生きる世界の状況と似てはいないだろうか。国境や民族、宗教を超えて、人々が移動し交流し混ざり合いながらリアルな現実を共有し、明日の世界を模索している。こう思うと画面は世界の在り方の縮図のようでもある。」

この文は、「ペインタリネス 2018」というグループ展での冊子に私が寄せた一文である。 分断の深まりをさらに感じるこの頃、この一文を思い出した。この展覧会の「進行形の絵画」というサブタイトルはこの一文の内容から引用した。 今回出品する一連の新作も、同じ方法で、つまり絵具がまだ濡れていて流動的な状態で制作している。絵具という色彩を持った物質が混ざり合い、構築と混沌を往復しながら制作が進行する。静かで緊張に満ちた時間、時おり初めて見るような画面に出会うことがある。それは異国の風景のようでもあり、また遠い過去の懐かしく幸せに満ちた光景のようでもある。また時には大胆な自由さで私を引っ張っていってくれることもある。でも次のストローク（筆触）によって、いとも簡単に崩れ去ってしまうことも多い。そんな流動的な進行形の中に、新しい画面の表れ方を探してみたい。少し大げさかも知れないが、私にとっての世界の表れ方を探してみたい。そして、その画面が今を生きる誰かの力になってくれれば、と願っている。

中島一平　2026年1月

バラス・スピロス 個展
夏への憧れ

鴨川 2025

岩 2025

2025.12.2（火）〜 12.14（日）
11:00 ～ 18:00 月曜定休

本展では、ギリシャ出身のアーティスト スピロス・バラス（Spiros Baras） による、鉛筆ドローイングと数点の水彩作品を紹介します。
バラスのドローイングは、抑制された筆致と光に満ちた静けさの世界を描き出しています。テクスチャーのある紙に色鉛筆で丹念に描かれたそれらの作品は、重さや影、そして雑音を拒むような繊細さを湛えています。色彩は幾重にも重ねられた層の中で呼吸し、紙そのものが光を含むかのように見えます。

モチーフは、島の風景や建築の一部、親密な肖像、そして日常の穏やかな情景まで多岐にわたります。海、丘、肌、空気といった本質的なトーンへと還元されたイメージは、時を超えた静寂の中に浮かび上がります。光は拡散し、地中海的でありながら内省的で、登場する人物たちは記憶と夢のはざまに存在しているかのようです。

そのシンプルな構成の奥には、正確で繊細な感情の緊張が潜んでいます。わずかな憂愁と夏への憧れ——それは展覧会タイトル「Longing for Summer（夏への憧れ）」にも響き合う感情です。眠る猫、物思いにふける女性、遠くの丘に輝く教会——世界がゆるやかに歩みを止める瞬間を、観る者に思い起こさせます。

バラスの限られた色彩と平面的な構成は、初期モダニズムの感性を想起させながらも、彼自身の人間的で思索的な温かさに満ちています。彼の水彩作品もまた、光が一瞬世界を照らして消えていく、その儚さへの瞑想として見ることができるでしょう。 現代美術の文脈において、スピロス・バラスは独自の位置を占めています。華やかさや過剰なデジタル性、概念的な誇張から距離を置き、ドローイングを感覚的で瞑想的な行為として取り戻しています。

一見すると、彼の構図はミニマル・リアリズムやポスト・ミニマル的な具象に近いように見えますが、その本質は様式よりも詩的です。影の不在、色彩の節度、修道的ともいえる精密な筆致は、ポストフォトグラフィック・ペインティングやニュー・シンセリティ運動に通じる、親密さや触覚性、日常への回帰を思わせます。

控えめな家々、静止した身体、くつろぐ動物たち——それらのイメージは「静止すること」をひとつの抵抗として提示します。皮肉や喧騒、政治的スペクタクルに満ちた現代において、バラスは深く人間的な注意のあり方を育みます。ほとんど蒸発するような光の層が、記憶と場所が階層なく共存する思索の空間を生み出しているのです。

多くの現代画家が物質性を極端に追求する中で、バラスの制作は「引き算」によって特徴づけられます。空気や静寂、紙の呼吸そのものを作品の一部として取り込み、余白の中に生命を感じさせます。この点で彼は、ピーター・ドイグやジョルジョ・グリッファといった作家たち、さらには雰囲気とニュアンスを重んじる現代日本の画家たちと共鳴しています。

スピロス・バラスは、現代の視覚文化におけるひとつの逆流を体現しています。彼のドローイングは懐古ではなく、もう一度「見る」という行為を取り戻すための静かな提案です。ゆっくりと、やさしく、そして思いやりをもって世界を見つめ直すこと—それが彼の作品が私たちに促す眼差しなのです。

力石 咲
「アモルファス」

《結晶集合体_33》、2025
ベンガラ染めで染めた残糸
H70 × W34 × D29cm
写真: 今村裕司 画像提供: 艸居

2025.12.23（火）〜 2026 1.30（金）
開廊時間:11AM‒6PM 休廊日:日・月
冬季休廊：2025.12.27（土）〜 2026.1.6(火)

艸居(京都)では、力石咲の初個展「アモルファス」を開催いたします。力石咲は、「編む/ほどく」という行為を通して、もの・人・まちのつながりや変化を探る美術家です。⻑年の制作で1次元の糸を絡ませて3 次元の物体を編む行為を結晶形成に例えてきました。

本展のタイトル「アモルファス」は、個々の作品が結晶のように秩序を持つ一方で、 展示全体として空間やギャラリー、人々などさまざまな要素と融合すると、無秩序な状態へと変化することに由来しています。
1次元の糸から3次元の物体が立ち上がるように、私たちの世界も無数の粒子の結びつきによって形づくられています。日々の生活や情報の波に追われ、複雑さに押しつぶされそうになる現代社会。その只中で、力石は宇宙的な視点と物事の本質へのまなざしを手がかりに、世界をいったん解きほぐし、シンプルな「はじまり」を見つめ直します。人新世のチリともいえる余剰糸を現代の資源として扱い、編むという行為によって新たな世界を再構築しようとする力石の試みは、めまぐるしい日常から静かに再出発するための一歩となります。

力石は、「残糸」や不要になった繊維・素材、廃材の再利用を積極的に行い、現代社会の資源過剰問題に光を当てています。また、糸の染色においても、環境への負荷が少ない方法を選択しています。近年、力石が取り入れている染色方法には、ピグメントバイオ染めとベンガラ染めがあります。ピグメントバイオ染めは、顔料で染色した後に酵素を含む液で洗浄する手法です。酵素が余分な染料を分解するため、排水は透明で美しく、環境への影響が少ないのが特徴です。工場規模で行う場合は、環境に優しい方法であるため、工場での専門的な染色工程を経て仕上げています。一方、ベンガラ染めは家庭規模で行う場合に環境負荷が少ない方法ですが、大量に染める場合には環境への影響が大きくなる可能性があります。そのため、力石が作品に使用するベンガラ染めの糸は、すべて自宅で自身の手で環境に配慮し、丁寧に染めています。

京都では、古くから盛んだった⻄陣織などの染色産業が、明治から昭和にかけて河川汚染を引き起こしました。下水道が未整備だった当時、多くの工場排水が鴨川・堀川・桂川へ直接流され、化学染料や金属媒染剤による汚濁が深刻化しました。昭和中期には「色のついた水が流れる」と記録されるほどで、生態系の悪化や悪臭が市⺠生活にも影響を及ぼしました。こうした歴史を踏まえると、本展で展示する力石の“環境に配慮した染色作品”は、京都が抱えてきた環境問題との対比を示す意味でも重要な展示となるでしょう。過去の負の側面を踏まえつつ、持続可能な染色のあり方を提示することで、地域の歴史と現代の取り組みを結びつける役割を果たします。1970年代以降は、排水規制の強化や下水道整備の進展、染色技術の改良によって水質は徐々に回復しました。現在ではかつてのような深刻な汚染は見られず、生態系も戻りつつあるものの、都市排水による負荷は残っており、継続的な環境保全が求められています。

本展では、立体作品「編み図」をモチーフにしたドローイング、ガラスと砂を用いた作品、砂の粒子が作る繊細な凹凸に微細な糸の繊維が絡みついて定着する絵画に加え、亘理町立郷土資料館の協力によって地域の年中行事であった七夕馬とそこからインスピレーションを得た「ほどける馬っこ」も展示いたします。これは、力石が 「WATARI TRIPLE[C]PROJECT」にアーティストとして参加した際に、亘理町との関わりを通じて培った地域との対話を作品として再現いたします。

この貴重な機会に、是非ともご高覧いただきたくご案内申し上げます。

田中 嵐 個展
「Mimesis」

《Raindrop of crystal》

2026.1.10(土) ～ 2.3(火)

主催:京都 蔦屋書店

田中嵐は、2000年福岡出身のアーティスト。鉱物を主成分とした結晶液に、自身が撮影した風景や人物の写真を浸し、表面を結晶化させた作品を手掛けています。結晶化の工程では、雨の音や被写体の心音などといった写真と関連する音をスピーカーから流し、音の振動によってあえて不均等な結晶を生み出します。

「私にとって『結晶化』とは、単なる物質変化ではなく、私たちが紡いできた⽣命や記憶を、⽴体化し可視化する⾏為である。⾬が落下し、氷華が⽣まれ、やがて融解してゆくように、⾃然と⽣命が異なる時間と世界で絶え間なく進むその過程が、結晶化を通じて重なり合う。振動によって形態が変化する結晶化現象は、『重なり』の可視化である。⼼⾳など⽣命の⿎動、遠い国の海の⾳、⾬の⼀粒、気配、湿度、記憶――それら不可視の情報を結晶が凍結する。結晶の輪郭は、時間・記憶・⽣命の煌めきとなり、彫刻へと変容する。」

本展では、人物、海景をテーマにした「Portraitシリーズ」と「Crystalscapeシリーズ」、自然の循環と雨滴に込められた歴史や記憶をテーマにした《Raindrop of crystal》から新作を中心に約10点を展示。⾃然の美を写し取り、対象が刻んだ記憶と時間を結晶化というプロセスを通じて再構築することで、作品として可視化します。

＜本展に寄せて＞

“Art is the imitation of nature in her operation.” ̶ Aristotle
芸術とは、⾃然そのものの作⽤を模倣することである。 ̶ アリストテレス

本展の《Mimesis》は古代ギリシャの思想を引⽤している。
私は制作を通して、「⾃然とは何か」「美とはどこに宿るのか」を問い続けている。
幼い頃から海で過ごし、サーフィンを通して、私は常に⾃然とともにあった。 海⾯に反射する光、波が崩れる⾳、雪が肌に触れる冷たさ――⾃然の純粋な形や気配は、⾔語を超えて私の深層に刻まれている。それらの⼀瞬は複製不可能でありながら、確かに存在し、消えていく。私はその⾃然が織りなす儚さと壮⼤さに、今⽇まで魅了され続けている。――もし⾃然そのものを空間に展⽰できたなら、それはどれほど美しいだろうか。この問いが、私の根源的な美意識の起点となっている。

結晶は、⼈⼯物でありながら⾃然に委ねられた存在である。⼈間が意図しきれない揺らぎ、偶然、微細な差異が作⽤することで、その形態は半永久的に変化し続ける。私はその⽣成の過程を「模倣」と捉える。――しかし、それは単なる複製ではない。
芸術における模倣（Mimesis）とは、世界を再現するのではなく、世界を理解し、再び世界と関わるための思考の形式である。そして新しい美として⽣まれ変わるのではないだろうか。

私の作品は、⾃然の美を写し取ろうとする⾏為であり、結晶化を通じて、⽣命が刻んだ記憶と時間が再構築される場所となる。個展を通して鑑賞者が作品の前で⽴ち⽌まり、呼吸し、静けさに触れることで、その内側に眠る「もうひとつ」が⽴ち上がることを願っている。

田中 嵐

池田光弘 個展
「afterimage/ghost」

《untitled(figure no.13)》2025

2026 1.16(金) ～ 2.17(火)

主催:京都 蔦屋書店
協力:Satoko Oe Contemporary

池田光弘は、これまで画家として、神話や物語、宗教など、人間が生み出してきた文化的営為の起源や生成のプロセスに関心を寄せ、活動してきました。池田の作品は、イメージと絵具の物質性が互いに支え合う関係を前提にした、具象と抽象の境界が揺らぎながら立ち上がる独自の画面構成を特徴としています。いずれも、描写の精度と筆触のレイヤー、偶然性を含む転写的な痕跡が重なり合い、現実の風景を手がかりにしつつ、やがて別の次元のイメージへと変容していくような印象を与えます。

本展では、2023〜2025年に制作された作品を展示します。制作プロセスにおいては、旅先で撮影した写真に写り込んだ人物や風景を丁寧に描き起こし、それらをモノタイプ（※）で写し取り、その図像をキャンバス上で再構成しています。通常は一枚のみを刷るモノタイプにあえて刷りを重ねることで、図像は徐々に輪郭を失い、記憶の残像や作家自身の動機となる内的イメージと混ざり合いながら、元の風景とは異なる新たな情景が浮かび上がっていきます。こうして生まれた画面には、モノタイプ独特の刷りの風合いや支持体の素材感などを精緻にキャンバスに写し取る工程と、キャンバス上での作業によって生み出される筆致やテクスチャとが、多層的に蓄積され、イメージと物質性が巧妙に均衡を保ちながら共存しています。
池田が探求してきた、宗教や神話の源流に潜む「イメージが立ち上がる奇跡的な瞬間」と、風景の記憶から立ち上がる新たな物語性を、会場の作品でぜひご体感ください。

※版画技法の一種で、ガラスやアクリル板などの平滑な版に直接絵具やインクを載せ、刷り取る。製版作業がなく、1枚しか刷れない（モノ）ため、版画でありながら、1点物のような風合いや偶然性を持つ。

＜アーティストステートメント＞

afterimage / ghost
美しさと恐怖のグラデーションの中に、遠い微かな記憶、そして僅かな予兆を感じ取る。
棘のように突き刺さる時や光景、それはおそらく過去にどこかで見てきたものであり、忘れたふりをしていた像の断片である。
風雪に捩れた木々の姿、形式に縛られた人間関係、そしてあからさまではない暴力。
それらはいつも視界の端に、意識の深層に、形にならないままとり残されている。
絵を描くプロセスにおいて、イメージは削られ、曖昧に、輪郭を失いながら、ふたたび立ち上がる。微かな記憶、僅かな予兆が、触れられるものとしてそこに現れる。

池田光弘

Shuzo Azuchi Gulliver
-Weight-

2026.1.10（土）～ 3.29（日）
13－18時　土・日・祝日のみ開廊

「僕の重さはソファに座ることができる。」（シュウゾウ・アズチ・ガリバー）

シュウゾウ・アズチ・ガリバーの代表作のひとつである "Weight" を中心に、約20点を展示します。国内の展示としては、2022年にBankART KAIKO + BankART Station（横浜）で開催された大規模な個展「消息の将来」が記憶に新しいですが、関西では2010年の滋賀県立近代美術館（現・滋賀県立美術館）"EX-SIGN"展以来の個展となります。どうぞご覧ください。

タイトルとされている "Weight"は、作家自身による解説によると、以下のような作品です。

「'Weight (Human ball)'（ステンレススチールの球）は作家の体重と同一の重量を持っている。同じコンセプトで制作された 9 つのバージョンがある（1978、79、80、82、83、85、87、88、90年制作）。（2022年には同じコンセプトで、大理石を素材とする'2022年Version'が制作された。）」

[2025年12月、AI/ChatGPT-4による作家の略歴 (無添削)]
シュウゾウ・アヅチ・ガリバーは、戦後日本の前衛芸術のなかでも異色と言える作家。彼の制作は、長年にわたり表現形式・場所・メディアを変化させながらも、自己と存在をめぐる根源的な問いを持ち続けている。高い実験性と概念性を持ちながらも、作品の実体を伴うパフォーマンスや身体性を含むため、観客との関係性が強い。また、国内外の美術館に作品が収蔵され、近年その評価・再評価が進んでいる。2022年の「消息の将来展」などはその代表例であり、今後も日本国内外で注目され続ける表現者である。

＊シュウゾウ・アヅチ・ガリバーは 1947年、滋賀県栗太郡瀬田町橋本（現在の大津市瀬田）に生まれる。本名は安土修三。若年期から芸術への関心が強く、高校時代（滋賀県立膳所高校在学中）にはハプニング的な行為を伴う作品製作を始める（例：1964年に「草地 (Grassfield)」など）。哲学的・理論的思考への興味を含め、マルセル・デュシャンの影響を受けるなど、西洋前衛・観念芸術との対話が早期から彼の表現に含まれていた。)
＊1967年上京し、実験映画や路上／公共空間での行為、パフォーマンスを含むハプニング・プロジェクトを展開。THE PLAY という関西の前衛芸術集団に参加し、国内外の前衛運動やフルクサスなどとの交流も持つようになる。
＊1973年には「BODY（肉体契約）シリーズ」に着手。彼自身の身体を 80 の部位に分割し、彼の死後、それぞれの部位を契約した 80 人が保管するというプロジェクトであり、生・死・自己・存在に関する問いを扱う代表的な作品群。)
＊1980年代以降は、耐久的パフォーマンス（例 “De-Story”／直方体構造体内で一定時間過ごすパフォーマンスなど）、身体や空間／構造の射程を持つ作品制作を継続していく。
＊1990年代以降はヨーロッパでの展覧会やプロジェクトが増え、DNAの塩基（A, T, C, G）の記号性・象徴性を用いた作品、象形（シンボル・記号）・言語・測定・記憶などのテーマを重視。ドローイング、彫刻、インスタレーション、パフォーマンスなど多様な表現形式を採用。拠点を東京とヨーロッパに持ちながら、国内外で活動。
＊現在も制作活動を行っており、テーマとして「存在」「自己」「記号」「かたち」「生物学的基盤」の探究を続けている。